Hoy Sábado 1 de abril a las 18.00 horas, el artista Arturo Duclos (1959) realizará una performance denominada “Polvo de estrellas” en el subterráneo de la Galería Metales Pesados Visual, ubicado en Merced 316, Santiago Centro.

“Polvo de Estrellas” es una performance que reflexiona sobre la propuesta del origen científico de la vida biológica en la tierra. La idea fue acuñada por el astrónomo Harlow Shapley, en 1929, quien enuncio que los seres orgánicos que nos llamamos seres humanos estamos hechos de la misma materia que las estrellas. Lo que se habría producido por el carbono que viajó a través de las galaxias en las explosiones de supernovas, creando huracanes de polvo que finalmente dieron origen en nuestro planeta y en su vida orgánica, posibilitando así la existencia humana.

En esta performance, el artista indaga sobre la poiesis del ciclo vital junto con la generación de estos componentes químicos, en un acto de reducción inversa desde el mismo cuerpo humano, conectando las grandes preguntas que surgen desde las cosmogonías locales y las interpretaciones sobre el origen del mundo que provienen desde la ciencia y la religión.

La propuesta tiene un origen ritual y filosófico, que nos plantea cómo desde la interpretación de la brutalidad de los eventos cósmicos, se pueden desencadenar procesos de creación que nos permiten elaborar las grandes narrativas culturales e ideológicas que conforman la cultura humana.

POLVO DE ESTRELLAS
Un performance de Arturo Duclos
Sábado 1 de Abril de 2017, 18.00
Galería Metales Pesados Visual
Merced 316, Santiago

Hoy 28 de Marzo de 2017, se inaugura a las 19.30 hrs. la muestra Acción Monumenta del Colectivo MICH en Galería Macchina.

Acción Monumenta es el resultado de un proceso de creación artística en colaboración entre el colectivo MICH y diversas agrupaciones sociales de la localidad de Matilla, en la comuna de Pica, región de Tarapacá. Las actividades que se realizaron, y que constituyen el argumento de la muestra, ocurrieron en el contexto de las Residencias de Arte Colaborativo coordinadas por Red Cultura del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) y Servicio País (Programa de intervención social de la Fundación Superación de la Pobreza).

El trabajo comenzó a finales de septiembre de 2016, y consistió en la elaboración de vínculos entre el MICH con distintas agrupaciones sociales de la comunica de Pica, como el Club Social y Cultural Cachimbo Matillano “Regina Bejarano y Rogelio Loayza”, Jiwasa Oraje (la Ecozona de Matilla), Agrupación Barro Mágico de Pica y la Escuela Nueva Extremadura de Matilla. Específicamente, con esta última institución, el colectivo llevó a cabo su obra Acción Monumenta. Esta se pensó como un proceso artístico a través del cual dar cuenta de la diversidad cultural de Matilla. Este objetivo se llevó a cabo mediante el diseño y confección colectiva de banderas en las que se interpelaran simbólicamente distintos aspectos de la vida cotidiana del pueblo, tales como: el clima, la vegetación, la comida y la economía local.

Para la misma inauguración, tocarán Diego Lorenzini y Chini & The Technicians.

28 de Marzo – 19.30 hrs
Galería Macchina
Campus Oriente de la Pontifica Universidad Católica
Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Ñuñoa

Magnolia Pictures ha lanzado el trailer de «BURDEN», un documental de la vida y obra del artista y performer norteamericano:

«Chris Burden garantizó su lugar en la historia del arte en 1971 con un período de performances muchas veces peligrosas, mientras que todavía era estudiante en California.

Él mismo se disparó (Shoot, 1971), encerró (Five Day Locker Piece, 1971), electrocutó (Doorway to Heaven, 1973), cortó(Through the Night Softly, 1973), se crucificó (Trans-fixed, 1974), y anunció en la televisión (4 TV Ads, 1973–77). Burden, performer, a finales de los ’70s se reinventó artísticamente, creando una multitud de ensamblajes, instalaciones, esculturas cinéticas y estáticas y modelos científicos, incluyendo Urban Light (2008) en Los Angeles County Museum of Art (LACMA).

Su trabajo ha influido en una generación de artistas y ha sido exhibido en todo el mundo, pero la naturaleza provocativa de su arte junto con su sentido de la privacidad significa que la mayoría de la gente conoce al mito más que al hombre. Ahora, después de haber seguido a Burden en la creación de nuevas obras en su estudio y con acceso a su archivo personal de imágenes, videos y grabaciones de audio, BURDEN es el primer largometraje documental para explorar a fondo la vida y obra de este artista.

Los directores Timothy Marrinan y Richard Dewey buscan en las obras y la vida privada de Burden con una innovadora mezcla de stills y potentes videos de sus performances de los ’70s, videos personales y grabaciones de audio, amigos, compañeros estudiantes y colegas, comentarios de críticos (incluyendo el de un joven Roger Ebert) y las últimas imágenes en su estudio de Topanga Canyon, todas salpicadas de sus pensamientos y reflexiones a través de los años. BURDEN explora meticulosamente un individuo complejo y en constante evolución que se convirtió en uno de los artistas más admirados de su generación.»

Desde el 5 de Mayo en cines en USA, Amazon Video y iTunes.

El pasado Viernes 24 de Febrero, a Juan García Mosqueda, fundador de la galería y espacio de residencia Chamber NYC, le fue negada la entrada a Estados Unidos de regreso desde Buenos Aires, ciudad de origen del curador.

Mosqueda ha vivido por los últimos diez años en New York, lugar donde está ubicada la galería, que se ha instalado como un pequeño laboratorio expositivo, de investigación y creación.

Ayer Martes 28 de Febrero de 2017, publicó y relató por redes sociales la delirante y horrible experiencia:

«Queridos amigos, este pasado Viernes 24 de Febrero de 2017, fui negado de entrar a Estados Unidos – nación donde he estado viviendo como residente legal por los últimos diez años. El procedimiento fue deshumanizante y degradante en cada paso. Después de ser escoltado por los inspectores locales secundarios, fui llevado a una sala donde fui interrogado bajo juramento y amenazado con la posibilidad de ser prohibido de entrar al país por cinco años. El oficial de patrulla fronteriza me negó el derecho a asesoramiento jurídico, alegando arrogantemente que los abogados no tenían jurisdicción en las fronteras. Poco después de que mi declaración jurada fuera entregada al oficial principal a cargo, me informaron que no se me permitía entrar al país y, por lo tanto, se verían obligados a regresarme a Buenos Aires más tarde esa misma noche. Durante estas dolorosas catorce horas, me prohibieron usar cualquier medio de comunicación y no tuve acceso a ninguna de mis pertenencias, que fueron examinadas sin ninguna orden de arresto.

Me privaron de comida. Fui examinado tres veces para ir al baño, donde no tenía privacidad y estaba bajo vigilancia constante de un oficial. Finalmente, fui escoltado por dos oficiales armados directamente al avión, siendo retenidos mis documentos hasta que llegué a mi destino, Buenos Aires. Esta pesadilla de treinta y seis horas no es más que la clara evidencia de un sistema de inmigración profundamente defectuoso en Estados Unidos, llevado a cabo por una administración que está más interesada en expulsar a las personas que en admitirlas. Me educaron en América, trabajé en prestigiosas entidades de diseño, y ahora, como ustedes saben, tengo una galería que emplea a estadounidenses y no estadounidenses de igual manera. CHAMBER apoya estudios de arquitectura y diseño en los Estados Unidos y en el extranjero. Tengo varias propiedades en New York y he colaborado en numerosos proyectos con arquitectos, contratistas y trabajadores de construcción para llevar a cabo proyectos alrededor de la ciudad. Hemos creado una red dentro de las industrias creativas que abarcan todas las disciplinas y los medios de comunicación que ayudan a las personas a mantener sus prácticas y hacer lo que aman.

Estamos orgullosos de llevar la bandera de Nueva York a cada feria que hacemos y cada proyecto que iniciamos a lo largo del mundo. Auto-publicamos libros impresos en los Estados Unidos. E, innecesario decir, pagamos impuestos federales y estatales considerables que ayudan a financiar muchos de los aspectos sociales que alimentan el motor americano. Aunque yo no soy un ciudadano estadounidense, Chamber es un producto americano que espero pueda aportar al escenario cultural del país. La galería fue concebida alineada con la misma idea de inclusión que se encontró en las calles del Lower East Side (donde vivo y se me negó el acceso hace unos días) no hace mucho: un crisol de todas las nacionalidades y religiones , importando ideas del extranjero a una metrópoli culturalmente abarcadora. Hemos trabajado con más de 200 artistas y diseñadores, desde Tokyo hasta Los Ángeles, de Ámsterdam a Santiago, en nuestros menos de tres años de existencia y dependemos en gran medida de la movilidad social para transmitir nuestro mensaje y mostrar las obras que queremos mostrar.

A mis amigos estadounidenses, les pido que se comuniquen con sus congresistas y que presionen por una reforma migratoria. Impulsar un sistema que no enajene, intimide y intimide a los extranjeros, sino que, por el contrario, da la bienvenida y alienta a los ciudadanos de todos los países a querer seguir invirtiendo y contribuyendo a su maravilloso país. Este jueves no podremos celebrar la inauguración de nuestro nuevo programa, «Domestic Appeal», donde mi equipo y yo trabajamos muy duro para llevar a cabo, y no podremos conocer a algunos de los increíbles participantes que viajan a Estados Unidos para estar orgullosos de exhibir sus creaciones en una de las ciudades culturalmente más relevantes del planeta. Por favor, vayan a verla, tomar una copa de vino, y disfrútenlo por mi. Espero verlos pronto.

Juan García Mosqueda»

Material Art Fair es una feria de arte contemporáneo que se lleva a cabo en México, instalándose como una instancia y encuentro para espacios alternativos artísticos o que presenten propuestas más radicales que las ferias convencionales.

Este año 2017 la 4a edición de Material Art Fair tomará lugar del 9 al 12 de Febrero de 2017. La feria se realizará nuevamente en EXPO REFORMA, un centro de convenciones ubicado en la colonia Juárez de la Ciudad de México, un barrio céntrico, cercano al corazón financiero además del Centro Histórico, y las colonias Roma y Condesa.

Material Art Fair 2017 está presentando 53 galerías, espacios sin fines de lucro, y proyectos independientes, provenientes de 17 países y 30 ciudades, todos elegidos cuidadosamente por un comité de selección.

El espacio expositivo e investigación experimental chileno Sagrada Mercancía está por primera vez presente, con «Fiebre», incluyendo trabajos de los artistas Pablo Concha, Matías Solar y Adolfo Bimer, uno de los fundadores de SM.

La artista cubana Tania Bruguera, conocida también por su fuerte labor como activista por los derechos humanos, pidió a fines de la semana pasada retirar su obra «Cabeza Abajo/Head Down» de la muestra «Wild Noise» (Ruido Salvaje) en el Museo de Arte del Bronx, que es la segunda parte de la misma muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana.

Esta exhibición estaría compuesta por obras prestadas por el mismo museo de La Habana, ya que en el 2015 desde el Bronx viajaron más de 80 obras a Cuba, favor que se suponía devolverían para esta muestra. Pero las autoridades del país impidieron que las obras salieran para Estados Unidos y se retiraron del acuerdo para tal préstamo.

Frente a esto el Museo del Arte del Bronx, tuvo que acudir a colecciones de arte cubano que estuvieran fuera de ese territorio, para suplantar más de 60 piezas en la muestra en Estados Unidos.

Las autoridades cubanas no solo no dejaron salir las piezas del territorio, sino que además negaron la entrada a la artista a Cuba para ver la primera parte de la exhibición.

El Museo del Bronx reconfiguró la exposición para exponer obras de Ana Mendieta, Kcho, Los Carpinteros, Wilfredo Prieto y la misma Tania Bruguera, pero después de enterarse  de que las obras de La Habana no viajarían, la artista se retiró en señal de protesta.

Hace 72 años nació la artista conceptual Barbara Kruger.

La artista británica Sarah Maple fue catalogada a fines del pasado 2016, como una de las artistas feministas que definitivamente debieras conocer, y que propone nuevas perspectivas del feminismo hoy.

La obra de Maple, pinturas, fotografías, performance, mixed media y video art, abordan las diferentes ideas de identidad, pudiendo ser religiosas, sexuales o de género. Explora las nuevas fricciones que se dan entre estas temáticas, que debieran estar obsoletas, pero sin embargo sigue muy presentes hoy.

En uno de sus últimos trabajos en el 2015, Sarah Maple creo la «Anti Rape Cloak» (Capa Anti Violación). Un objeto performático que nació desde el pedido de la residencia «The Sisters of Perpetual Resistance» a crear un elemento de disconformidad y molestia. Así la artista, viajó con su capa por diferentes lugares y se retrató a si misma en variadas locaciones y situaciones.

Este 20 de Enero de 2017 es el día que Donald Trump asumirá como Presidente de Estados Unidos, y como reacción de disconformidad frente a eso, un grupo de artistas, organizaciones, museos y galerías llamaron a organizar un paro en las artes y otras actividades que puedan reflejar y reflexionar en torno a este suceso.

El llamado de J20 Art Strike es a no trabajar, no ir a clases, y no hacer negocios. Museos, galerías, teatros, estudios, escuelas de arte estarán cerradas por ese día. Y sin duda que el llamado es tomarse las calles también.

Pero este paro va más allá del campo artístico. Se hace en solidaridad con la demanda nacional de que a contar del 20 de enero, las empresas no procedan como de costumbre en ningún ámbito.  Esta huelga de arte es una táctica entre otras para combatir la normalización del trumpismo -una mezcla tóxica de supremacía blanca, misoginia, xenofobia, militarismo y regla oligárquica. Como cualquier táctica, no es un fin en sí mismo, sino una intervención que se ramificará en el futuro. No es una huelga contra el arte, el teatro o cualquier otra forma cultural. Es una invitación a motivar nuevamente estas actividades, a reimaginar estos espacios como lugares donde pueden producirse formas resistentes de pensar, ver, sentir y actuar.

Algunos de los artistas que se han sumado a la J20 Art Strike son Julieta Aranda, Allora & Calzadilla, Coco Fusco, Barbara Kruger, Marilyn Minter, Richard Serra, Cindy Sherman; críticos como Hal Foster y Octavio Zaya. Entre los museos y galerías estarán Sculpture Center, Queens Museum, Whitney Museum, New Museum, Salon 94, Lisson Gallery y Bitforms Gallery.

No Horizon es una muestra de videoarte que será inaugurada el 5 de enero, 2017 en el Planetario Chile de la Universidad de Santiago de Chile y en el Robert H. Goddard Planetarium en Nuevo México, EEUU.

El programa comprende 15 videos y animaciones de renombrados artistas visuales de Chile, EEUU, Islandia y Corea que serán presentados en una sesión de aproximadamente una hora y media.

La iniciativa nace como una invitación a mirar el cielo e imaginar nuevas formas de civilización y de orden natural. A través de las ideas de estos videoartistas, No Horizon propone re-configurar nuestro entorno, borrar los límites entre lo ficticio y lo real capturando el misterio, los destellos, la especulación, la paranoia y el vértigo de descubrir algo nunca antes visto.

Angela Dufresne / Claire Bidwell / Claudia Bitrán / Cristóbal Cea / Enrique Flores / Evan Mann / Francisca García / Iván Navarro / Jonathan Ehrenberg / Kolbeinn Hugi / Laura Bernstein / León & Cociña / Lilly McElroy / Paz Ortúzar / Youkyung Choi

5 de Enero 2017- 6:00pm
Robert H. Goddard Planetarium, Roswell, NM, USA
Roswell Museum & Art Center, 100 West 11th Street
www.roswellmuseum.org

5 de Enero 2017*– 6:30pm
Planetario Chile, Universidad de Santiago de Chile
Sala Newton, Av. Libertador Bernardo O’Higgins 3349
www.planetariochile.cl
Hasta el 8 de Enero

La Kochi-Muziris Biennale es la exhibición de arte contemporáneo realizada en Kochi, Kerala, siendo la primera Bienal en India. Kochi-Muziris Biennale es una iniciativa de Kochi-Biennale Foundation , que es apoyada por el Gobierno de Kerala. Las exhibiciones están dispuestas a través de Kochi, Muzziris y otras islas a su alrededor, participando galerías, halls, site-specific, instalaciones en el espacio público y otros edificios y estructuras en desuso.

Para la versión 2016, el poeta y artista chileno Raúl Zurita, presenta “Sea of Pain” , poema- instalación que recuerda a las víctimas de la crisis Siria y a Alan Kurdi, el niño de 3 años que apareció en una playa de Turquía, imagen que se transformó en una de las más pregnantes y significativas del pasado 2015, y de la crisis de refugiados que se está desarrollando en todo el globo. “Sea of Pain” quiere develarnos una vez más lo que cada día sucede ante nuestros ojos, pero donde el exceso de imágenes e información las vuelven muchas veces con un significado flotante, siendo necesario recordar y patentizar realidades que parecieran tan lejanas desde una cultura otra. La instalación está emplazada en el lugar principal, la Aspinwall House, siendo uno de los trabajos más impresionantes de la Kochi-Muziris Biennale.

Kochi-Muziris Biennale
12.12.16 – 29.3.17

That’s Desire / Here We are EP es el nuevo Visual Album de Fragile. Dirigido y fotografiado por Wolfgang Tillmans, este film de 27 minutos cuenta con las performances de Hari Nef, Karis Wilde, Ash B., Matthew Salinas, Bashir Daviid Naim, Rachel Guest, Christopher Olszewski y él mismo, así como los miembros de la banda Juan Pablo Echeverri, Kyle Combs, Tom Roach y Daniel Pearce.

Los invitados bailaron e improvisaron en Los Ángeles y Nueva York, sin antes conocer la música. Mientras se editaba la grabación con Michael Amstad en Berlín, quedó claro, que lo que se planificaba en un principio como seis videos individuales, no debería ser separado, sino que debería permanecer como una sucesión consecutiva de seis estados de ánimo diferentes.

La cultura audiovisual integrada a la escena musical existe desde el principio de la historia del cine, cuando en las proyecciones de cine mudo, en general un pianista, violinista u otro músico interpretaba la emocionalidad de las películas en vivo. Es justamente este factor el que caracteriza el híbrido música e imágenes hoy en día, la puesta en escena en vivo y a tiempo real de disciplinas integradas que entregan una poderosa experiencia a un público cada vez más exigente.

En Vj Santiago | Visualistas y músicos se integran en una muestra de realizadores potenciando la unión de ambos contextos creativos, un campo híbrido, unificado por el arte y la música. El proyecto, incubado en la Corporación Chilena de Video, propone la agrupación abierta de artistas del video, programación creativa y perfomance audiovisual de Santiago, con la intención de ampliarlo al resto de Chile en el futuro, integrando a una comunidad ampliada de realizadores musicales y audiovisuales.

Este  Sábado 17 de Diciembre se realizará la tercera versión de VJ Santiago, en la cual participaran C-UFOS: JotaCapsula + GioVolta, Iñaki Muñoz vs Mika Martini, Acrobatics, Aguilas Paralelas, Elisita Punto + VJ Juan Saez y Agnes Paz con una presentación de theremin; como DJ invitada estará Andrea Paz. En las instalaciones MOVED y Nekko blu.

VJ STGO – Tercera Edición
Sábado 17 de Diciembre de 2016, 19.30-01.00 hrs.
Pendiente | Mil M2
Dirección: Av. Italia 792, 4to y 5to piso
Fecha: Sábado 17 de Diciembre
Entrada $2000.-

En el último tiempo, la obra de Juan Castillo pareciera formarse de narrativas sociológicas de los distintos individuos de un contexto geográfico o cultural. Si bien estas narrativas vienen del espacio de la nostalgia y el anhelo, nunca se desenmarca de las fricciones de la desterritorialización, donde la alienación por distintos motivos de los individuos dentro de su estructura produce un cierto tipo de fractura social.

«El Collage Social» es una intervención de Castillo en el espacio público en colaboración con la Brigada Chacón, que se realizó este pasado 3 de Diciembre de 2016.

Hoy Lunes 12 de Diciembre a las 19.30 hrs será la inauguración del registro de la acción junto a otros trabajos del mismo artista en Galeria Macchina.

«El Collage Social» – JUAN CASTILLO
Curaduría: Andrea Pacheco
13 de Diciembre 2016 – 20 de Enero de 2017
Galería Macchina, Escuela de Arte UC, Campus Oriente
Av. Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Providencia, Chile

Hoy  Jueves 1 de Diciembre de 2016, desde las 19:00hrs. en el Espacio O Centro de Arte Contemporáneo se lanzará la plataforma VADB – arte contemporáneo Latinoamericano.

VADB es una comunidad que archiva y relaciona información sobre obras, personas, organizaciones, eventos y publicaciones. VADB está basado en un modelo de vinculación de contenidos que organiza información sobre prácticas artísticas, relacionales y discursivas; tanto institucionales como autónomas.

Toda la información incluida en la plataforma es de carácter abierto y puede ser utilizada con fines de investigación, difusión, debate y pedagogía. La comunidad VADB está compuesta actualmente por más de 700 personas provenientes de más de 15 países que trabajan en producción de arte contemporáneo como también a la teoría, la crítica, la historia del arte, la curaduría y la pedagogía.

Para el lanzamiento, se desarrollará una jornada de conversación y debate donde se revisarán las formas de producción y circulación de obras de arte contemporáneo, cómo se establecen relaciones y se toman decisiones para organizar las ideas sobre la escritura y la construcción de la historia del arte.

Jueves 1 de Diciembre – 19.00 hrs.
Espacio O Centro de Arte Contemporáneo
Villavicencio 395, Barrio Lastarria, Santiago

Hoy viernes 25 de noviembre de 2016, desde las 19:00hrs. en el Centro Cultural General San Martín (Buenos Aires, Argentina)  se lanzará la plataforma VADB – arte contemporáneo Latinoamericano.

VADB es una comunidad que archiva y relaciona información sobre obras, personas, organizaciones, eventos y publicaciones. VADB está basado en un modelo de vinculación de contenidos que organiza información sobre prácticas artísticas, relacionales y discursivas; tanto institucionales como autónomas.

Toda la información incluida en la plataforma es de carácter abierto y puede ser utilizada con fines de investigación, difusión, debate y pedagogía. La comunidad VADB está compuesta actualmente por más de 700 personas provenientes de más de 15 países que trabajan en producción de arte contemporáneo como también a la teoría, la crítica, la historia del arte, la curaduría y la pedagogía.

Para el lanzamiento, se desarrollará una jornada de conversación y debate donde se revisarán las formas de producción y circulación de obras de arte contemporáneo, cómo se establecen relaciones y se toman decisiones para organizar las ideas sobre la escritura y la construcción de la historia del arte.

La calma y premura con respecto al movimiento en los 60’s y 70’s, dio paso a la disipación del feminismo, para alejarlo del esencialismo con el que se trató antes. Se puede situar desde la década del 90 hasta hoy, actuando desde distintas esferas y motivaciones. Se reconoce que no se puede tomar la teoría por los caminos radicales que alguna vez se tomaron, reconociendo que es imposible determinar a la mujer; cada una es única y diferente. Se influencia por las ideas de la construcción o “performatividad” del género, donde todos los individuos somos libres de construir nuestras identidades, y representarlas como se desee. Tiene como campos de acción y expresión la política, los movimientos antiraciales, y los que abogan por la igualdad y respeto de minorías sexuales. Si bien anteriormente el movimiento se presentó reacio a la aceptación de las nuevas tecnologías, al propiciar y difundir el capitalismo, es hoy en día que el espacio virtual de la web ha permitido el encuentro y tránsito de las ideas y las acciones más que nunca, y este nuevo espacio y práctica tecnológica cultural es lo que hoy se conceptualiza como “ciberfeminismo”.
El ciberfeminismo se conforma como un espacio de comunión digital para las ideas y acciones más que las políticas propiamente tal. En cierta medida el quehacer político feminista hoy en día tiene que ver con grupos que actúan desde la disconformidad frente a determinadas situaciones o hechos, como puede ser Femen, Guerrilla Girls o Pussy Riot. El ciberfeminismo se identifica en primera instancia con prácticas culturales que vienen de distintos campos de desarrollo y acción que convergen y difunden por medio de las nuevas tecnologías e Internet.
Para Sadie Plant, escritora e investigadora británica, el ciberfeminismo se define como «Una cooperación entre mujer, máquina y nuevas tecnologías. La relación entre la tecnología de la información y la liberación de la mujer viene de antiguo.»
En 1991 se formo VNS Matrix, el primer grupo ciberfeminista, que usaban el arte y los nuevos medios para las acciones y declaraciones. Experimentaban con la tecnología para redefinir las identidades femeninas, y deconstruir las representaciones masculinas.Se comienzan a usar servidores alternativos para el encuentro virtual de las mujeres, y en 1993, se crea la Asociación para el Progreso de las mujeres en el mundo. Desde acá los grupos relacionados a la asociación comienzan sus acciones y trabajo en la red.
Por ejemplo en 1995, en la IV Conferencia Mundial de Mujeres, en Pekín, China, las mujeres pudieron tener acceso on line al encuentro, y donde anteriormente se organizaron los temas y opiniones por la página web, que contabilizó más de 100.000 visitas. Se planteó el derecho de la mujer a las comunicaciones como plataforma y estrategia clave para los cambios políticos y sociales.
Más tarde el 1997 en el marco de Documenta X, se organiza el Primer Encuentro Internacional Ciberfeminista, donde se declara el manifiesto ciberfeminista que se declara en 100 sentencias que se refieren a lo que el ciberfeminismo no es.
Porque no se puede definir bajo conceptos políticos o declaraciones al tratarse más bien de un campo de acción y difusión de una nueva lucha feminista, el lugar virtual de reunión de las mujeres que antes tenían que juntarse para planear sus acciones. Se refiere a un desenvolvimiento activo dentro de la sociedad, y las nuevas tecnologías han permitido estos encuentros. Y aún más la new media ha sido también la que ha posibilitado el registro, información y comunicación global de lo que está ocurriendo y las acciones llevadas a cabo. Así es como en estos días, hemos podido ver las acciones y protestas de Femen, y como se ha ido desenvolviendo el caso de las Pussy Riot.
Tanto en Europa, como América y África se han desarrollado plataformas que, atendiendo al hecho de que los feminismos hoy en día no se marginan exclusivamente a las temáticas de la segunda ola, fomentan el espacio de acción social y cultural, como por ejemplo el sitio africano francófono, Famafrique, impulsando el desarrollo y formación.
El ciberfeminismo recupera el campo de acción política que siempre se quiso, pero poniendo a las mujeres como agente activo dentro de la sociedad, donde se alienta al crecimiento de ellas como seres sociales, y que permite el espacio de comunicación y acción entre ellas y para el resto desde las nuevas tecnologías. Es comunión de la new media y las mujeres para mejorar las prácticas sociales y culturales.

Por Carolina Martínez Sánchez

Imágenes © Carolina Martínez Sánchez 2014

«Mi casa es su casa». Moderno: El Arte De Vivir, Desde Josef Albers un Cecilia Vicuña, es una exposición curada por Kandor13 y Pablo Jansana, que tendrá lugar en Kolonie Wedding, Rosalux and OkkRaum29, Berlín, Alemania. La muestra incluye 13 artistas procedentes de diferentes latitudes.

El proverbio «Mi casa es su casa» define la casa como un espacio para ser compartida, como un reflejo de la hospitalidad y carisma. Por lo tanto, aparece como una frase problemática cuando se lee a la luz del intercambio cultural; poniendo a disposición lo que es propiedad y el concepto de apropiarse de lo que es de otros. La línea central de este proyecto es indagar sobre la hospitalidad entre los espacios y actores de diferentes orígenes como una forma de producción centrada en la apropiación e intercambio. Una cuestión de autoría, derechos internacionales de propiedad y derechos de autor que se materializan en objetos sociales y las dinámicas que existen en una red de influencias transculturales.

Para ilustrar esta idea, Kandor13 trazó un espectro de tiempo entre dos obras: una silla que parece un diseño del arquitecto mexicano Luis Barragán, pero que está firmado por el artista Josef Albers (una referencia del modernismo), producida por Clara Porset (un diseñador cubano) y ahora está en la Fundación Josef Albers en Conneticut, EE.UU. Esta silla revela una larga cadena de diálogo e influencia de diferentes culturas con respecto a la hospitalidad. El segundo trabajo es «Leonora Carrington y el viento de los muertos», de la artista chilena Cecilia Vicuña. En este video, que fue producido específicamente para esta exposición, Cecilia aparece en su jardín describiendo cómo conoció a la artista surrealista Leonora Carrington, que se convertiría en una referencia ineludible para sus pinturas. Desde las diferencias de estas dos obras, los artistas de Kandor13 producen un trabajo especial sobre este tema, creando un nuevo diálogo con piezas producidas con anterioridad.

28 de Octubre – 20 de Noviembre de 2016
Rosalux: Wriezener Str. 12 13359, Berlin
OKK/Raum29: Prinzenallee 29 13359, Berlin

PARTICIPATING ARTISTS
Alejandro Almanza Pereda / Mexico
Balam Bartolomé / Mexico / France
Jacobo Castellano / Spain
Catherine Czacki / USA
Brock Enright / USA
Andrea Galvani / Italy / Mexico / USA
Daria Irincheeva / Russia / USA
Pablo Jansana / Chile / USA
Esperanza Mayobre / Venezuela / USA
Lars Laumann / Norway
Santiago Reyes Villaveces / Colombia / UK
Carolina Saquel / Chile / Francia
Cecilia Vicuña / Chile / USA

La artista suiza Pipilotti Rist es conocida por su fascinante y peculiar trabajo en el video arte, siendo pionera en este tipo de instalaciones multimedia. Sus piezas audiovisuales tienen un carácter deconstructivo de lo que diariamente nos rodea, y es en su re ensamblaje donde logra construir un nuevo significado, que generalmente se nos presenta como un provocativo caleidoscopio.

Estéticas y narrativas que se convierten en experiencias sensoriales y de ahí al cuestionamiento de lo que Rist nos manifiesta. El espectador siempre juega un rol en su trabajo, está en él responder a lo inesperado y completar las obras y narrativas insertas dentro de una conversación que puede llegar a integrar temas políticos, sociales y culturales.

Ocupando los tres pisos principales del museo, «Pipilotti Rist: Pixel Bosque» es la más grande exhibición de la obra de Rist en Nueva York hasta la fecha. Incluye trabajos que abarcan toda la carrera de la artista, desde sus primeros videos monocanales de la década de 1980, que exploran la representación del cuerpo femenino en la cultura popular, hasta sus más recientes instalaciones de vídeo, que transforman los espacios arquitectónicos en ambientes oníricos mejorados por hipnóticas partituras musicales. Con una nueva instalación creada específicamente para esta muestra, la exposición también revela las conexiones entre el desarrollo del arte de Rist y la evolución de las tecnologías contemporáneas. Que van desde la pantalla de televisión a la del cine, y desde la intimidad del smartphone a la experiencia comunitaria de imágenes inmersivas y paisajes sonoros, gráficos de esta encuesta las formas en que la obra de Rist fusiona lo biológico con la electrónica en el éxtasis de la comunicación, demostrando las maneras en las que la obra de Rist fusiona lo viológico con lo electrónico en el éxtasis de la comunicación.

PIPILOTTI RIST : PIXEL FOREST
26 de Octubre de 2016 – 15 de Enero de 2017
Curaduría por Massimiliano Gioni
New Museum, New 235 Bowery, New York, NY 10002

El artista visual chileno Enrique Ramírez, actualmente viviendo en Paris, y que se ha dedicado al video arte, está presentando su segundo solo show en la Galerie Michel Rein en París.

“La Gravedad” es el título de la muestra, donde si bien se podrían entender muchas cosas desde sus diversos significados, apela a la fuerza de atracción que es.

Cuando el artista lanza trozos de papel negro en un cielo claro y transparente, esta fuerza está en el trabajo que los hace caer de nuevo al suelo – ligero, frágil, vaporoso. De la misma forma, cuando se juega a lo contrario, él ilumina pequeños papeles blancos sobre el fondo de una negra noche, creando un contraste aún más hipnótico. «Para mí, estos papeles son como almas lanzadas hacia el cielo, ideas, contestaciones, voces silenciosas (que se han hecho en silencio), que también evocan el aspecto esférico del mundo, la noche que reina aquí, mientras es de día en otro lugar» .

Con esto al artista reflexiona acerca de la circularidad del tiempo y el «eterno retorno», en referencia a la naturaleza cíclica de las cosas que causan eventos que se repiten una y otra vez, hagamos lo que hagamos para detener esta repetición.

Es, sin duda, esta fuerza que da la mayoría del poder de su trabajo: la de la gravedad de nuestro tiempo presente, sin futuro próximo, el de una humanidad incapaz de comprender y aprender de los errores (y horrores) del pasado, inexorablemente avanzando hacia el daño y una existencia vacía e insignificante. Sin embargo, el arte parece negarse a resignarse y las obras de Enrique, como cualquier trabajo, recurren a imágenes altamente poéticas, involucrando al espectador con su su mirada y pensamientos.

De esta manera, una vez más, las obras de Enrique Ramírez homenaje no sólo su poder argumentativo y su capacidad de proporcionar apoyos que estimulan el poder del pensamiento, pero sobre todo su innegable capacidad de hablar la política.

Extracto del texto de Florencia Battiti

La Gravedad – Enrique Ramírez
20 de Octubre – 17 de Diciembre, 2016
Galerie Michel Rein, 42 rue de Turenne 75003 París, Francia

Desde el 18 de Octubre hasta este Domingo 23, tiene a lugar la segunda versión de Paris Internationale, llevada a cabo en el Hôtel Particulier Iéna en la 51 Avenue, un palacio construido en 1897, conocida como la residencia parisina del destacado coleccionista de arte Calouste Gulbenkian. Durante estos días, la mansión de cuatro pisos, que se extiende por más de 3.000 m2, será el anfitrión de más de 61 artistas, 54 galerías y 7 proyectos provenientes de 21 países. Haciéndose eco de las identidades plurales de los participantes, el edificio contará con un mosaico de habitaciones con características sorprendentemente específicas. En respuesta a la situación actual de las ferias de arte en lo que respecta tanto a su producción y recepción, París Internationale es una iniciativa en conjunto de 5 galerías emergentes; Crèvecoeur, High Art, Antoine Levi, Sultana y Gregor Staiger, esto como un intento colaborativo para desarrollar un modelo apropiado para el impulso de nuevas iniciativas avanzadas en el arte contemporáneo.

La presencia latinoamericana es muy poca en esta versión, por eso destacamos la participación de la galería mexicana Proyectos Monclova, con trabajos de Adrien Missika, Gabriel de la Mora y Martín Soto Climent.

El evento además, se está alzando como una propuesta que da la bienvenida al recambio de generaciones tanto de artistas, galerías, y otros gestores culturales, respondiendo a los propios cambios del contexto donde la “desterritorialización” parece comandar los nuevos modelos de producción y pensamiento.

«Esta exposición es la primera, después de la muestra en el Guggenheim, que tiene más de tres de mis obras: se trata de una edición especial de cosas que he hecho antes de retirarme. Podríamos decir que se trata de show post-réquiem, donde, al igual que en una novela de Poe, estoy fingiendo estar muerto, pero aún puedo ver y oír lo que sucede alrededor «.
-Maurizio Cattelan

Not Afraid of Love – Monnaie de Paris
Maurizio Cattelan
21 de Octubre de 2016 – 8 de Enero de 2017
Curaduría: Chiara Paris

“Modos de Ver” (Ways of Seeing) es el libro de John Berger, donde el autor analiza el régimen escópico, siendo el contexto de una sociedad y cultura la que determina los regímenes visuales imperantes, y que van definiendo las correspondientes formas de asimilación de lo que vemos: percepción e interpretación. “Modos de ver” tuvo además su versión televisa, en una serie de documentales de la BBC en 1972.

Lorna Mills, artista visual con un cuerpo de obra que trabaja con redes culturales que responden a las nuevas tecnologías realiza en el 2014 un remake de esta serie, “Modos de Algo” (Ways of Something). La pieza consiste en una serie de videos de 1 minuto realizadas por más de 30 artistas miltimediales basados en internet, que se sirven del 3D, renders, gifs, film remix o webcam performances, para describir la delirante producción de arte en la era postinternet.

“Modos de Algo” se estará exhibiendo en el Whitney Museum de New York dentro de la muestra “DREAMLANDS: IMMERSIVE CINEMA AND ART, 1905–2016”, desde este 28 de Octubre hasta Febrero del 2017.

La exhibición se centra en las formas que los artistas han desmantelado y re ensamblado las convenciones del cine, las formas de proyección y métodos de crear oscuridad, para crear nuevas experiencias de la imagen en movimiento.

“DREAMLANDS” reúne a más de un siglo de trabajos con obras de artistas y realizadores audiovisuales, incluyendo instalación, ambientes 3D, escultura, performance y proyectos interactivos, incluyendo a Trisha Baga, Ivana Bašić, Frances Bodomo, Dora Budor, Ian Cheng, Bruce Conner, Ben Coonley, Joseph Cornell, Andrea Crespo, François Curlet, Alex Da Corte, Oskar Fischinger, Liam Gillick, Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Alex Israel, Mehdi Belhaj Kacem y Pierre Joseph, Aidan Koch, Lynn Hershman Leeson, Anthony McCall, Josiah McElheny, Syd Mead, Lorna Mills, Jayson Musson, Melik Ohanian, Philippe Parreno, Jenny Perlin, Mathias Poledna, Edwin S. Porter, Oskar Schlemmer, Hito Steyerl, Rirkrit Tiravanija, Stan VanDerBeek, Artie Vierkant, y Jud Yalkut, entre otros.

Mañana Sábado 15 de Octubre se cumple un año de la partida de Carlos Leppe. La distancia forma parte del duelo y quienes fueron sus amigos y colaboradores en su producción de obra, se reunirán mañana a recordarlo.

El acto tendrá lugar en la sala Blanco del Museo Nacional de Bellas Artes, a las 12.00 hrs, donde estarán invitados a un conversatorio, Carlos Flores del Pino, Manuela Gumucio y Justo Pastor Mellado, quienes harán referencia a momentos claves y singulares de su relación con Leppe.

Descubrir el patrimonio y visitar los vestigios de lo que fuera una valiente aventura maderera, es solo parte de lo que ofrece CAB, Casa-Museo Alberto Baeriswyl en Puerto Yartou, Patagonia. A la aventura histórica se suma una novedosa experiencia tecnológica, ya que por medio de una aplicación móvil para iPads se puede acceder al contenido del museo y al mismo tiempo visitar lo que fuera la antigua administración de la factoría y una exposición permanente de fotografías de Puerto Yartou y su gente.

Un museo de experiencia

Dentro de su proyecto fotográfico “La piel de los espacios”, la fotógrafa chilena, María Luisa Murillo, emprendió en el año 2004, un viaje a Punta Arenas y Tierra del Fuego, para captar con su lente lugares abandonados, y al mismo tiempo conocer más acerca de la historia de sus ancestros magallánicos. “Llegué a un lugar remoto, poco visitado, salvo por uno que otro valiente descendiente de los primeros colonos. Sin camino demarcado, había que cruzar un bosque de Nothofagus donde se atravesaban zorros y guanacos y vadear un río, para llegar a este caserío que me pareció una especie de Humberstone. En ese minuto pensé que había que rescatar este legado”, dice María Luisa, Directora de Arte y Proyectos de la CAB.

El proyecto recibió apoyo de Fondart y Corfo y se llevó a cabo por etapas. Comenzó por un estudio sobre el valor que tuvo Puerto Yartou en la historia local, lo cual validó la intención de rescatarlo. “Luego vino la restauración, a cargo de un arquitecto con vasta experiencia en el rescate patrimonial magallánico, Dante Baeriswyl, luego un pre- proyecto museográfico realizado por Roberto Benavente y el desarrollo de un guión que estuvo a cargo de mi madre María Teresa Böhm, con la colaboración de Franz Kroeger, geógrafo experto en Tierra del Fuego y Miguel Laborde, arquitecto y urbanista. Posteriormente siguió la implementación de la casa al estilo de 1920 y la exposición permanente integrada como parte de la decoración. Finalmente se desarrollaron las aplicaciones como herramientas tecnológicas al servicio de la museografía y el patrimonio”, cuenta María Luisa.

La aplicación cuenta con un guión de 88 cápsulas de contenido que hablan de la epopeya del poblamiento de las tierras australes desde sus primeros habitantes hasta la actualidad, combinando texto, fotografías, ilustraciones, audios y videos; paralelamente se desarrolló otra aplicación que reconstruye la antigua factoría en realidad virtual, donde el visitante puede recorrer a modo de videojuego la antigua factoría maderera Puerto Yartou. “De esta forma la casa se transforma en un lugar habitable y el museo, en vez de estar exhibido, puede recorrerse a través de una aplicación. Dejamos al visitante la libertad de hacer lo que quiera, es decir, si solo quiere conocer el paisaje o si se quiere introducir en la historia”, explica Murillo.

El lanzamiento de este atractivo proyecto será el 11 de octubre en la biblioteca del GAM, en Santiago. Más información en www.cab-patagonia.cl

El Nasher Sculpture Center abierto desde el 2003 y situado en el centro del Distrito de Arte de Dallas, es una institución que se dedica exclusivamente a la investigación y exhibición de escultura contemporánea, contando con más de 300 obras de Calder, Kooning, di Suvero, Giacometti, Hepworth, Kelly, Matisse, Miró, Moore, Picasso, Rodin, Serra entre otros.

En el 2015, se anunció la creación y comienzo del Nasher Prize, convirtiéndose en el premio más importante del mundo en escultura contemporánea.

En su versión 2017, la institución anuncio como ganador del premio, al escultor francés Pierre Huyghe, quién ha venido desarrollando un cuerpo de obra que integra distintas materialidades, desplazándose así por distintas disciplinas y temáticas, cruzando el cine, música, ciencia y filosofía, llegando a producir piezas que se nos presentan como algo totalmente no conocido, heterogéneo y sorprendente. El artista está buscando constantemente una evolución a través de la creación, donde lo vivo y el ambiente ha sido un factor preponderante en su peculiar belleza e interpretación de este mundo.

Art Basel nació en 1970 como una iniciativa de los galeristas de Basilea, Suiza, creciendo hasta convertirse en una institución que conecta las más importantes galerías de distintas partes del mundo, y expandiendo sus versiones a Hong-Kong y Miami, siendo punto de encuentro entre las personas y el arte proveniente de diferentes lugares.
Siguiendo con esto, es que lanzaron en Marzo de 2016 “Art Basel Cities Iniative”, donde unirán fuerzas con distintas ciudades asociadas para organizar programas en conjunto y disponer de una serie de eventos y sucesos de arte.
A fines del 2017 se realizará el primero de estos programas, donde la ciudad elegida para esta iniciativa es Buenos Aires, deseando lograr un nuevo diálogo e interacción entre la ciudad, lo que ofrece culturalmente ésta, y lo que Art Basel con este nuevo proyecto busca; potenciar la cultura e impacto del lugar y enlazarlo con el contexto global, convirtiendo a Buenos Aires y las próximas ciudades en destinos indudables dentro del itinerario artístico mundial.

VADB, es una red colaborativa del arte contemporáneo en Latinoamérica, dispuesta en una plataforma online, donde están alojados y organizados los trabajos e información de artistas, críticos y teóricos, organizaciones y gestores culturales, galerías, eventos.
De esta manera, el proyecto se plantea ser un archivo en línea de todos los factores y actores que actúan dentro de la escena y contexto artístico latinoamericano, y al mismo tiempo posibilitar la conexión entre estos mismos; todo esto para estimular y ayudar a impulsar el arte en Latinoamérica.
Mañana 10 de Septiembre a las 15.00 hrs. es el lanzamiento oficial de VADB en Casa Do Povo, en Sao Paulo, Brasil. Casa Do Povo es un espacio fundado en 1953, que por medio de iniciativas ligadas al arte y cultura contemporánea, se instala como un lugar de experimentación para fomentar nuevas prácticas, discursos y formas de pensamiento.

Durante la jornada de lanzamiento de la Red, habrán conversatorios y debates debate donde se revisarán las formas de producción y circulación de obras de arte contemporáneo, cómo se establecen relaciones y se toman decisiones para organizar las ideas sobre la escritura y la construcción de la historia del arte.

Además de plantear como se piensan los dispositivos gráficos y visuales que harían justicia a los olvidos propios de los soportes de la historia moderna.

VADB | Red Colaborativa De Arte Contemporáneo Latinoamericano
Lanzamiento: 10 de Septiembre de 2016, 15.00 horas
Casa Do Povo, Rua Três Rios, 252 – Bom Retiro, Sao Paulo, Brasil

Hoy Martes 6 de Septiembre, la artista chilena Margarita Dittborn inaugura “El Libro del Amor” en Galería Madhaus, coincidiendo con sus diez años de carrera.
Dittborn es fotógrafa y artista visual autodidacta, explorando libremente cruces de técnicas para llegar a particulares manifestaciones estéticas.
Esta muestra reflexiona en torno a metáforas y representaciones visuales de lo que el amor puede ser y ha sido para otras personas, tomando prestadas historias para configurar esta narrativa.
«El Libro del Amor» está compuesto por fotomontajes, collages y pequeñas instalaciones, donde el espectador podrá situarse en ese lugar del amor, drama y comedia padecida por otros.

El Libro del Amor – Margarita Dittborn

6 de Septiembre – 1 de Octubre, 2016

Galería Madhaus, Vasco de Gama 4639, Santiago, Chile

En Agosto de 1952, John Cage volvió a la Black Mountain  College y organizó Theater Piece No.1, un indescriptible performance, considerado por muchos como el primer Happening. Esta performance incluyó a Rauschenberg, Cunningham, y el colaborador regular de Cage, el pianista David Tudor, entre otros, donde la audiencia estaba sentado in cuatro secciones triangulares, mientras Cage permanecía en una escalera al centro, invitando a los artistas músicos y bailarines a moverse libremente a través del espacio.

Jerry Saltz es un crítico de arte norteamericano que empezó en The Village Voice y desde el 2006 es el crítico de arte senior para el New York Magazine. Además se ha desempeñado como profesor en la Facultad de Artes de la Universidad de Columbia, en Yale y en el Instituto de Arte de Chicago. Hasta acá nada nuevo para un crítico con un impecable resume.
Lo que ciertamente es nuevo, es como Saltz se ha convertido totalmente en un personaje, no solo en el mundo del arte, sino en el de la cultura visual, urbana y de la sociedad. Encarna en sí la contradicción de ser el crítico más odiado pero el más amado entre sus seguidores. Y con seguidores no nos referimos a sus discípulos teóricos, sino literalmente a sus seguidores en las redes sociales.
Y es que Jerry Saltz a través de Facebook llama a tener una real mirada de lo que es el mundo del arte, despojándolo del glamour y solemnidad del circuito. Incluso yendo más allá, mucho más famosa es su cuenta de Instagram, donde es como si nos invitara a indagar y meternos en su peculiar mente, donde la crítica, ironía, y una extraña obsesión por imágenes –que se las puede proveer el mundo del arte o no- de corte sexual, hasta masoquista si se quiere decir; la obsesión por lo ocultamente pervertido en el arte bizantino, sus pinturas e ilustraciones, y esa fascinación que en algún lugar todos debemos tener por las fuerzas ocultas demoníacas, donde no hace otra cosa que solo manifestar su irónica declaración. Y así no es de extrañar que la última obsesión del crítico sea el candidato a la presidencia de Estados Unidos y empresario Donald Trump, poniendo en cada una de sus imágenes ese componente sexual divertido, crítica del poder y del sistema. Y por eso es que amamos a Jerry Saltz, porque desde su lugar no teme en reírse de este serio círculo de adulaciones constantes, de la iconografía occidental que sigue regentando muchas estructuras en la sociedad hoy, y por sobretodo del poder. El Instagram de Jerry Saltz es como un análisis Freudiano de muchos de nuestros subconcientes.

¿Qué es lo que hay en la mente de Jerry Saltz? ¿Qué es lo que mantenemos permanentemente en silencio, y Saltz lo canaliza a través de sus uploads?

instagram@jerrysaltz

Desde hoy Viernes 26 hasta el Domingo 28 de Agosto, estará abierta CHART ART FAIR, la feria de Arte Contemporáneo nórdico más importante. Su sede para esta versión se emplaza en el Kunsthal Charlottenborg de la Royal Danish Academy of Fine Arts. Desde su creación, se ha consolidado como la plataforma internacional para el arte contemporáneo de la region. CHART se focaliza en el arte de las galerías nórdicas más importantes.

CHART rompe con el formato tradicional de feria por su cuidada curaduría de las obras de las galerías, presentando todo simultaneamente como una exposición, en los salones del Kunsthal Charlottenborg. La selección y la curaduría es realizada por los cinco galerías fundadoras basadas en en Copenhague: Galleri Susanne Ottesen, Galleri Bo Bjerggaard, V1 Gallery, Andersen’s Contemporary and David Risley Gallery.

Entre los artistas en exhibición están Alicja Kwade, Andreas Gursky, Bigert & Bergström, Eduardo Terrazas, Eva Koch, José León Cerrillo, Marie Lund, Marina Abramovic, Not Vital, Nobuyoshi Araki, Robert Mapplethorpe, Thomas Broomé e Yrjö Kukkapuro entre otros.

Imagen #1 Alicia Kwade, «Trait Transference», 2016

Imagen #2 Bigert & Bergstrøm, «70 cm from not being the highest point in sweden kebnekaise», 2014

Imagen #3 Not Vital, «Head-3», 2014

Imagen #4 Rolf Nowotny, «Conkcloaca», 2016

Imagem #5 Thomas Broomé, «Green Kiss», 2016

Imagen #6 Tuomas A. Laitinenen, «Sensory Adaptation Device #5», 2016

Uno de los síntomas más patentes de las nuevas directrices en el arte contemporáneo, es la constante y persistente búsqueda de nuevos cruces que puedan generar nuevos proyectos, piezas de arte y modelos de pensamiento que den cuenta del estado de la sociedad y cultura y sus individuos. Las últimas bienales, group shows, y la investigación de ciertos artistas han ido cruzando sus criterios curatiorales entre el arte, tecnología -tanto en su mejor aspecto que intenta mejorar la calidad de vida de las personas, tanto crítica- exploración de nuevas metodologías, y otros, apuntando hacia una declaración de lo que evalúa y proyecta nuestra sociedad.

Es desde estos indicadores que parte la Primera Edición de la Antarctic Biennale 2017, estableciéndose como un fenómeno socio-cultural internacional que se sirve de metodologías y procesos artísticos, científicos y filosóficos.

El concepto para esta versión, fue propuesta por el artista ruso Alexander Ponomarev, quien en el 2014, estableció junto al curador Nadim Samman el Antarctic Pavilion en la 15th Venice Biennale of Architecture bajo el nombre de «Antarctopia», como una interfase internacional de la Antarctic Biennale.

Las aplicaciones para el evento están abiertas para artistas menores de 35 años que trabajen en diferentes medios y soportes, y que deseen proponer una pieza o proyecto que despliegue su vision de esta geografía.

La Antarctic Biennale está planteada de forma itinerante en un gran barco que comenzará con una expedición en Marzo del 2017, partiendo en Ushuaia, para finalizar en Cabo de Hornos, visitando bases científicas y lugares históricos. Al mismo tiempo, se realizarán acciones, performances y debates a bordo.

A PERFECT WORLD – CAMOUFLAGE SYSTEM
Sergey Skuratov, Antarctic Pavilion, 15th Venice Biennale of Architecture, 2014.

El trabajo del artista argentino Enrique Jezik, quien está radicado en México hace más de 25 años, se caracteriza por poner en fricción las temáticas del poder, economía, abuso y violencia dentro de la sociedad y cultura contemporánea, acudiendo a la instalación, el site specific o la performance para llegar a la reflexión que desea instalar en el espectador.

Jezik está ahora en Chile para realizar un Performance mañana Martes 16 de Agosto a las 14.00 hrs en la Aula Magna de la Universidad ARCIS. Este trabajo se da dentro del contexto de su residencia en Ejercicios Mosqueto, proyecto y plataforma actualmente dedicada a la investigación en el arte performático.

ENRIQUE JEZIK – PERFORMANCE
Martes 16 de Agosto de 2016, 14.00 hrs.
AULA MAGNA de la Universidad ARCIS, Sede Huérfanos
Huérfanos 1710, Santiago, Chile

Imagen: Monika Sobczak © 2014

NEW INC es una nueva iniciativa del NEW MUSEUM de NY, siendo el primer museo incubador para arte, tecnología y diseño. Es un espacio compartido de trabajo donde los programas de desarrollo profesional están enfocados a apoyar a creativos de esas áreas. Se creó en el 2013 y se lanzó en el 2014 como una plataforma nonprofit, fomentando el compromiso de los museos con la new media. Así, este espacio se establece como interdisciplinario, ayudando a la investigación de nuevas ideas y el desarrollo de una práctica sostenible, donde los creativos están aprovechando la tecnología y el cruce entre la cultura y el mercado.
Estos nuevos modos de producción cultural hacen que el terreno en que se desenvuelve el proyecto esté aún sin definir. Al ser un nuevo modelo de producción, NEW INC se establece como un laboratorio en búsqueda de prácticas e innovación.

El colectivo artístico Los Carpinteros, fundado en La Habana en 1992 y formado por Marco Antonio Castillo Valdés y Dagoberto Rodríguez Sánchez, estarán desde mañana Martes 2 de Agosto en Galería Macchina con la muestra “Conga Irreversible” .
El dúo se caracteriza por su peculiar mezcla entre arquitectura, objetos, diseño, dibujo y escultura, traduciendo una visión de vida cotidiana atravesada por la perspectiva artística, convergiendo en una visualidad casi humorística, que sin duda no carece de una perspicaz crítica que cuestiona el valor de lo inútil y lo utilitario.

“Conga Irreversible” es el primer performance producido por Los Carpinteros en el contexto de la XI Bienal de La Habana del 2012. Se realizó en el Paseo del Prado con la colaboración del grupo de danza Banrará y su director Isaías Riga, el diseñador Abraham García, el director de cine Pavel Giroud y el compositor Yosvany Terry.

La obra convertida en pieza audiovisual, permite la espontaneidad del gesto social. La ciudad pierde lo tangible para ganar en lo sensorial, la espiritualidad y contacto de los individuos. “Conga irreversible” se alzó como símbolo de la Cuba contemporánea, su pueblo y sociedad.

Galería Macchina
Campus Oriente, Avda. Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Santiago, Chile.
Martes 2 de Agosto – Viernes19 de Agosto, 2016

Marilyn Arsem es una artista norteamericana conocida por sus performances, instalaciones, y site-specific que ha venido desarrollando. En ellos trabaja el performance duracional o «time based art», donde la característica esencial es ser ejecuciones que trabajan en función de una o varias acciones a través de un período de tiempo determinado.
Arsem se dedicado a explorar estas peculiaridades de performance y los desafíos asociados a la documentación del time based art.
La artista es fundadora además de Mobius Artists Group, colectivo conocido por incorporar a su propuesta visual, performance y media arts, video e instalación.

Hoy se presenta a las 19.00 hrs en la Casa Central de la Universidad de Chile junto al también performer Tomasz Szrama, con el performance «Binario», acción concebida como el contraste entre la práctica de dos artistas del performance, cuyo trabajo ha seguido caminos paralelos, a veces divergentes, pero cultivando dos visiones significativas que aportan al desarrollo y la educación de la disciplina.

La muestra «La Lengua de los Pájaros» es una muestra colectiva de Bárbara Oettinger, María José Rojas y Ricardo Pizarro. En ella se abordan desde distintos medios como el vídeo, imágenes e instalación, diferentes acepciones del estado melancólico, y su relación con la creación artística desde el estudio pre-científico de la alquimia.

Bárbara Oettinger con «Ya sea en el aire o la tierra, en el fuego o el agua» ahonda en la relación interrogativa propia del estado melancólico alquímico, más precisamente, en el nigredo, estado elemental desde donde comenzaba la obra de los alquimistas u opus, para luego continuar con otros cuatro (nigredo, albedo, citrinitas, rubedo o veriditas). La obra en su conjunto explora la relación del hombre, el paisaje y los cuatro elementos (aire, tierra, fuego y agua) a los que se asocian los estados de transmutación y ascenso de la materia, y el valor de la muerte como confrontación de lo místico y lo racional.

«Jardín Interior» de María José Rojas cuenta de dos instalaciones. En una se podrán observar largas y delgadas cajas de luz que se extienden por los muros de la galería, en las cuales se exhiben objetos atrapados en el marco de diapositivas, acercándonos de esta manera a la visión microscópica del entorno. Los objetos coleccionados y fijados entre los vidrios, se transforman en especímenes destinados a la observación cual “placas de Petri”, para ser exhibidos como parte de una secuencia. Así aparece lo invisible, las estructuras subyacentes a la realidad, aquello que es necesario recoger, enmarcar, ampliar y someter a la luz para ser visibilizado como una unidad indivisible. 

Finalmente en el trabajo de Ricardo Pizarro “( )”, lo que se expone son dibujos de geometrías concéntricas, hechos a través de puntos con marcadores de colores sobre la popular «toalla nova», que nos habla de una labor dedicada de tipo trascendental al borde de lo desechable, relevando lo fugaz místico de la arena, a un material industrial. Para ello, el artista se somete a verdaderos trances de producción manual, cuyo proceso va exponiendo en sus diferentes estaciones de producción.

La Lengua de los Pájaros
Curaduría: Andrés Grillo
Inauguración Viernes 24 de Junio, 19.30 hrs.
Galería PANAM
Riquelme 586, Barrio Brasil, Santiago

Martine Syms es una artista norteamericana basada en L.A. y que fue nombrada por los más importantes sitios y revistas de arte contemporáneo como una de las artistas más prominentes del pasado año 2015. Syms se autodefine como una empresaria conceptual, que trabaja con video, performance, collage, multimedia y otros soportes.

Hasta este Domingo 19 de Junio estará en exhibición Fact & Trouble en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres, exhibición que examina los intersticios entre la experiencia vivida y su representación. La serie de video «Lessons» de Syms es un largo poema que se completa en 180 secciones. Cada pieza audiovisual dura treinta segundos, articulando una lección de la tradición.

«Under the Same Sun: Art from Latin America today» es la segunda exhibición del Guggenheim Museum UBS MAP Global Art Initiative, curada por Pablo León de la Barra, en colaboración con South London Gallery. La exhibición incluye trabajos de más de 20 artistas que trabajan con diferentes medios y métodos, como la instalación, pintura, performance, fotografía, escultura y video.

Con un enfoque en el trabajo realizado por artistas nacidos después de 1968, además de varios pioneros que fueron activos a nivel internacional en la década de 1960 y 70, «Under the Same Sun» en la South London Gallery, examina la diversidad de respuestas creativas de los artistas a lo complejo, compartiendo realidades que han sido influenciadas por las historias coloniales y modernas, gobiernos represivos, crisis económicas y la desigualdad social, así como también por períodos concurrentes de riqueza regional, desarrollo y el progreso.

La muestra incluye obras de Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, Carlos Amorales, Alexander Apóstol, Tania Bruguera, Luis Camnitzer, Mariana Castillo Deball, Alejandro Cesarco, Raimond Chaves & Gilda Mantilla, Donna Conlon & Jonathan Harker, Adriano Costa, Eduardo Costa, Minerva Cuevas, Jonathas de Andrade, Wilson Díaz, Rafael Ferrer, Regina José Galindo, Mario García Torres, Tamar Guimarães, Federico Herrero, Alfredo Jaar, Claudia Joskowicz, Runo Lagomarsino, David Lamelas & Hildegarde Duane, Marta Minujín, Carlos Motta, Iván Navarro, Rivane Neuenschwander, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Amalia Pica, Wilfredo Prieto, Paul Ramírez Jonas, Beatriz Santiago Muñoz, Gabriel Sierra, Javier Téllez, Erika Verzutti, Carla Zaccagnini.

Gabriel Sierra, Hang It All, 2006. © Gabriel Sierra