Hoy Jueves 12 de Mayo a las 19.30 hrs. se inaugura «Ejercicio Forense» en D21 Proyectos de Arte, la última muestra del artista chileno Arturo Duclos.
Esta exhibición reúne el trabajo inicial desarrollado por Duclos entre los años 81 y 82, años difíciles en época de dictadura, y donde la ausencia de espacios de exhibición, hizo que los espacios públicos y privados disponibles fueran la galería de estas obras, cuya presencia efímera se revive con estos documentos fotográficos realizados por el artista.
En octubre de 1982, una selección de estas fotografías formó parte entonces de la curatoría de artistas chilenos que hizo Ángel Kalenberg y Nelly Richard para la XII Bienal de Paris. Luego de ser exhibidas las fotografías de estos proyectos realizados en esos años, jamás fueron exhibidas nuevamente como conjunto.
La serie de ejercicios aquí dispuestos constituyen el primer cuerpo de obra del artista, de donde se desprenden directamente en los años posteriores su segunda entrega, La Lección de Anatomía.
Con esta muestra, Galería D21 pretende recuperar un importante acervo de obras raramente conocido o convenientemente olvidado, para volver a inscribirlo en los antecedentes de nuestra historia y enmendar la ignorancia junto a la desidia de los historiadores emergentes y los de su generación.
«EJERCICIO FORENSE» – Arturo Duclos
Jueves 12 de Mayo, 19.30 hrs.
D21 Proyectos de Arte, Nueva de Lyon 19, dpto. 21, Providencia.
«Ahí» es la segunda muestra individual del artista Leonardo Portus en Die Ecke Arte Contemporáneo. La exposición se compone de tres obras en técnica mixta y una instalación que reinterpretan la gráfica y la crónica de la revista chilena policial magazinesca VEA de los años 60.
La antigua revista VEA ayudó a construir gran parte del imaginario de generaciones de chilenos desde las décadas del 50 al 70. Principalmente, su crónica policial, abigarrada de imágenes, con una potente tipografía y sello escritural, generaron una mirada morbosa sobre la ciudad y sus lugares luctuosos; espacios peligrosos cargados de delito, pulsión sexual y desacato.
A través de diversos elementos, «Ahí», reconstituye tres hechos trágicos que van desde un incendio en Valparaíso, suicidios en dos modernas torres de departamentos santiaguinas y la trágica historia de amor de dos jóvenes en una población periférica capitalina desmontando el “estilo” de revista VEA, su tipografía, rojo y negro evocando a Eros y Tanathos en su cromatismo, donde la arquitectura del sitio del suceso es representado en pequeños retablos de fragmentos de estos lugares incrustados en las obras, como si se tratase de trozos de paisaje urbano que otorgan volumen al encuadre fotográfico de estos sitios.
Acompañan a estas “páginas” una instalación compuesta por diversos objetos, una maqueta, proyección de sombras, diversas fotografías de sospechosos y víctimas que de manera melodramática arman un relato tan estereotipado como lo fue para los lectores de VEA. Momentos congelados en el lente donde se delata sospecha, morbo, incredulidad, dolor e impacto construyendo un friso urbano de la modernización social de Santiago en las décadas de mediados del Siglo XX.
AHÍ – Leonardo Portus
Hasta el 28 de Mayo
Galería Die Ecke, José Manuel Infante 1208
Providencia, Santiago
“MaPa, Marcas En El Paisaje” de Nicolás Sáez, destacado Arquitecto y fotógrafo penquista. Se inaugurará el viernes 29 de abril a las 19:00 horas en PANAM y permanecerá abierta al público hasta el 22 de mayo.
«Mapa, Marcas en el paisaje» es una reflexión acerca de la propiedad privada representado por panorámicas del paisaje de la región del Bío Bío, símbolos de la usurpación y la especulación económica. MaPa, pretende orientar al espectador a modo de una denuncia cartográfica, poéticamente política.
El viaje y la captura del paisaje en panorámicas fotográfica son la estrategia que ocupa el proyecto MaPa, que aspira dar “orientación” al espectador, hasta que logre “ver” la real ocupación del paisaje Chileno. En las panorámicas se buscó capturar neutras y cotidianas tomas de los sectores representativos de la extracción de dichos recursos. En cada fotografía de paisaje se escoge algún síntoma visual que hable de la huella de la usurpación o de la propiedad privada.
El proyecto contó con la co-edición de la fotógrafa y teórica Andrea Josh quien señala que “lo que ahí ocurre no sólo es realidad, sino una puesta en escena premeditada para la domesticación del paisaje y sus habitantes, como si la transacción fuese una especulación crónica”.
VestAndPage es el dúo de artistas conformado por la artista alemana Verena Stenke y Andrea Pagnes, artista, escritor y curador italiano, quienes han venido trabajando sus piezas desde el 2006 principalmente desde el performance y el video arte.
Su práctica se da como respuesta a un entorno y contexto determinado, y por esto mismo es que cada una de estas experiencias es única e irrepetible, explorando narrativas que relacionan la percepción y realidad, y la fragilidad del ser humano, tanto individuo como grupo que actúa dentro de la sociedad. Y es así que la confrontación es trabajada desde la crisis de la aceptación, la resistencia y la unión entre cuerpo y arte.
VestAndPage estará presentando su último proyecto AEGIS I en Ejercicios Mosqueto, performance que envuelve y conjuga temáticas como la defensa y blindaje de las personas, su resistencia y sistemas de seguridad. Al mismo tiempo que Verena y Andrea están en acción, es leída la Declaración de los Derechos Humanos.
AEGIS I , un performance de VestAndPage
25 de Marzo de 2016, 20.00 hrs.
Ejercicios Mosqueto, Mosqueto 464 J, Santiago
Entrada liberada – Capacidad limitada
Las imágenes de la artista y fotógrafa portuguesa radicada en Berlín nos sumergen en un voyeurismo involuntario, develando nuestra más intensa y oculta curiosidad por la vida de los otros. Su obsesión por la autoimagen es el espejo de esta misma obsesión en cada uno de nosotros, tal cual vehículo de esta proyección.
Tanto las instancias más cotidianas como una visualidad más performática forman parte del trabajo visual de Lino. Uno de sus últimos proyectos es “Double”, explorando la naturalidad y su inmanente belleza, creando una delicada fricción entre la captura del yo en el transcurrir de los días y el robo de un tiempo determinado.
La caída del muro de Berlín no solamente provocó el surgimiento de nuevas estructuras institucionales y sociales que reemplazarían los antiguos modelos que regían Alemania. El paradigma cultural del país también fue movido por estas nuevas directrices, y es así como a principios de los ‘90s un grupo de cineastas de la German Film and Television Academy comenzaron a filmar desde una estética completamente nueva. El deseo por abandonar los antecedentes post totalitaristas hace converger en esta nueva forma de cine el progreso político, económico y cultural.
The Berlin School como movimiento no es una declaración artística, sino que trabaja desde una estética crítica no agresiva donde sus temáticas recurrentes son construidas desde personajes que luchan desde el cambio social y las narrativas exploran los antiguos espacios de fricción.
La mayoría de los directores vienen del antiguo Este, donde podemos encontrar a Thomas Arslan, Angela Schanelec, y Christian Petzold, director del film “Barbara” en el cual la actriz Nina Hoss encarna a una doctora transferida y vigilada en la RDA. Petzold se adjudicó en el 2012 el Oso de Plata a la mejor dirección.
Sus miembros no buscaron compartir su nueva perspectiva del cine alemán bajo un manifiesto ni intentaron establecer un eje dogmático de trabajo, The Berlin School buscó nuevas maneras de expresar las identidades reconfiguradas desde este nuevo escenario social y humano.
Still de Barbara. 2012. Alemania. Dirigida por Christian Petzold
“Entre lo concreto y efímero” es la muestra de la artista visual Isidora Villarino que estará en exhibición desde este Sábado 9 de Enero en el Centro de Extensión del CNCA Valparaíso, dentro de (en)CLAVE LOCAL, selección del IV Concurso Universitario Arte Joven realizado en el MAC de Quinta Normal que reunió a 73 obras de nuevos artistas.
Villarino montó una serie de dibujos en cajas de fósforos transformadas en cajas de luz, aludiendo así, a su utilidad mediante su propia descontextualización.
Hito Steyerl, artista visual alemana, es considerada una de las figuras más importantes del arte y que se provee de plataformas como el film y la new media para desarrollar instalaciones que dan cuenta de la crisis y fricción que la ocupa y caracteriza. Y es que son las propias nuevas tecnologías, dispositivos y softwares, los que han tornado a la imagen en una cosa casi inabarcable y en constante fuga. Es un tema casi «benjaminiano» en cuanto a la reproductibilidad infinita de las imágenes que se nos presentan día a día, y más aún, cuando ya es dentro del mismo dispositivo donde se las produce como mercanía intangible. Su ubicuidad infinita nos ha sumido en una arborescencia de todo lo que vemos y percibimos, y con esto, la paradoja de que la multiplicidad en ascenso a la que estamos expuestos, ha enceguecido lo que se puede ver en ellas. Ya no es dentro de ellas dónde es posible ver el significado, sino en la relación entre las imágenes del mundo y lo que hay por fuera de ellas.
Steyerl no solo desarrolla desde dispositivos estéticos esta situación, sino que explora esta crisis a través de sus escritos y ensayos.
En su obra no duda de recurrir a formas irónicas alzadas desde la tecnología para investigar y pensar como todas las formas de comunicación y el régimen de visibilidad y perceptivo ha mutado profundamente, resignificando la visualidad y visibiidad.
Hoy Hito Steyerl está en el Museo Reina Sofía con la exhibición Duty-Free Art, donde se reúne de forma antológica su obra.
John Russell es un artista inglés que a través de la exploración de la técnica y el soporte hace una crítica a la estructura imperante propia de los tiempos actuales, en tanto industria cultural. Su trabajo se adviene como contra respuesta a la sociedad del espectáculo que ha establecido un régimen de visibilidad superfluo y alienante, donde el orden y ética está dictada por este paradigma, desposeyendo el sentido del individuo, de la obra y la propia sociedad.
Luego de salir de la Central St Martins School of Art formó el colectivo de arte BANK junto a Simon Bedwell, Milly Thompson, Andrew Williamson y Dave Burrows, grupo que instaló una perspectiva radical del arte y el sistema, antagonista a los cánones imperantes y del arte del mainstream. BANK se mantuvo activo entre 1991 y 2003, exhibiendo una serie de exhibiciones grupales incluyendo performance y caracterizándose por el sarcasmo y la polémica.
Russel además de su cuerpo de obra artística ha colaborado como escritor crítico en importantes sitios como e-flux y metamute.
Hoy está en la Bridget Donahue Gallery en NY con la muestra SQRRL hasta Enero del 2016.
Este fin de semana se inaugura en el MoMA PS1 la exhibición «Greater New York», cuarta versión de esta serie de muestras en colaboración con el MoMA que comenzó en el año 2000 y que se repite cada 5 años. La muestra se caracteriza por presentar el trabajo de artistas emergentes que viven y trabajan en New York, y donde en todos estos años el arte que viene desde ahí y la propia comunidad ha cambiado significativamente desde su primera versión. Tiempo más rápido que el de nosotros mismos, que constata el cambio y velocidad en el que se desenvuelve la sociedad, mercado y cultura. Por esto es que «Greater New York», busca su enfoque en los puntos de conexión de los nuevos artistas con la tensión puesta en crisis del deseo por lo nuevo y la nostalgia de lo que se va desplazando.
Con más de 400 obras de 157 artistas emergentes y establecidos, «Greater Nueva York» es co-organizado por un equipo dirigido por Peter Eleey, Curador y Director Asociada de Exposiciones y Programas del MoMA PS1; además del historiador de arte Douglas Crimp de la Universidad de Rochester; Thomas J. Lax, Curador Asociado, Departamento de Media y Performance Art del MoMA; y Mia Cerraduras, Curadora Asistente, MoMA PS1.
Todas las obras trabajan en conjunto como una estrategia estética muy diversa, encarnando la representación la fuerte configuración de sus habitantes, y sobretodo a New York como un lugar de encuentro de fricción y posibilidades.
El Robo de Hispano América es el micro documental del director Felipe Ríos, pieza audiovisual creada a partir de la obra del artista chileno Yisa y en particular de su instalación exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile durante este año 2015.
Más de una tonelada de corontas de choclo conforman dicha obra que habla de la pérdida de la identidad Latinoamericana y del sentido de pertenencia.
Dentro del contexto de la 12º Bienal de Nuevos Medios será exhibida en Proyecto Pendiente el Miércoles 14 de Octubre a las 20 hrs. Av. Italia 792, Providencia.
A primera impresión piensas que es un artista, algo así como un hacker visual de las redes sociales. Un transgresor avant garde, un rupturista. Ciertamente que algo de eso hay.
Pero la verdad es que Bess NYC es una tienda ubicada en La Fayette Street, donde su presencia física está disminuyendo cada vez más para ceder espacio al juego virtual de la ironía y donde la creación de la identidad que se desee es posible. Y la reinvención también: cuantas veces se desee. El hombre detrás de Bess NYC es Doug Abraham, quien hoy está explorando la interfaz a través de sus provocadores collages digitales donde “roba” los nombres de las más exclusivas y conocidas marcas del mundo de la moda para terminar de crear estas imágenes. Toma fotografías de elementos absolutamente cotidianos como partes del cuerpo, sudor, bocas; las mezcla con otras pregnantes imágenes de la industria o simplemente las reubica en una escena totalmente provocadora. La resignificación de estos collages donde cada uno de estos elementos ya porta una carga simbólica, puede ser muy distinta para cada uno de los usuarios, pero nunca dejará de ser impactante y cautivadora.
Hoy se inauguró en el MoMA, New York, la muestra «Transmissions: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960-1980», donde se analogan las directrices y las conexiones en la escena del arte internacional entre Latinoamérica y Europa del Este entre las décadas del 60 y el 80. Experimentación y vanguardia propagadas en la producción artística de aquellos tiempos que estableció un contexto muy peculiar para el arte y la historia.
La exhibición incluye los trabajos de Juan Downey (en la imagen «Map of America», 1975) y el grupo CADA, además de Beatriz González, Antonio Dias, Lea Lublin y Ana Mendieta. Destacando también la participación del grupo de artistas argentinos agrupados por la influencia del Instituto Torcuato Di Tella, Oscar Bony, David Lamelas y Marta Minujín.
Y desde Europa del Este, están Geta Brặtescu, Tomislav Gotovac, Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Dóra Maurer, el colectivo anti-arte Gorgona, OHO, Aktual, y Fluxus entre otros.
Filmada en 1994 y dirigida por Patrice Chéreau, retrata la historia de Margarita de Valois (Isabelle Adjani) la princesa católica hija de la reina de Francia, Catalina de Medicis, quien se casa con el hugonote protestante Enrique de Navarra (Daniel Auteuil), en un gesto de conciliación en el difícil clima político y religioso del país en el siglo XVI. La pieza fílmica se centra en las conspiraciones de la reina y la Matanza de San Bartolomé, donde se asesinan a miles de protestantes que se encontraban en el lugar con motivo de la celebración del matrimonio de Margot. Uno de sus sobrevivientes es La Môle (Vincent Perez), quien vive un apasionado romance con la princesa.
Una de nuestras bandas favoritas que no solo ha sido influencia musical, sino referente de toda una generación , es Sonic Youth. Más ícono aún, su súper bajista Kim Gordon.
Lo que muchos no saben es que Kim es artista, y hoy es el último día de su exhibición en la 303 Gallery, quien representa a la artista.
Everybody Street es el documental de la fotógrafa y cineasta Cheryl Dunn, que retrata las aventuras en las calles de Nueva York de fotográfos como Bruce Davidson, Bruce Gilden, Joel Meyerowitz, Rebecca Lepkoff y Mary Ellen Mark.
Dunn registró en este film las huellas, los soplos y lo que emociona a quienes ella misma admira: «Quería conocer a mis ídolos, así que fui a la calle y seguí sus pasos».
Sónar es un festival creado en 1994 que se proclama como el Festival Internacional de Música de Avanzada y el Congreso de Creatividad y Tecnología.
Desde hace décadas que los límites entre el media art y la música son cada vez más difusos y alinean más sus caminos para lograr una transferencia dinámica y de vanguardia de lo que está sucediendo en estas áreas del arte y creación.
Es así cómo Sónar ha tenido varidas versiones en el mundo, y es que este año 2015 va a tener su primera versión en Santiago, el 5 de Diciembre de 2015.
El Sábado 15 de Agosto tuvo lugar su lanzamiento en el Museo Nacional de Bellas Artes en conjunto con la Bienal de Artes Mediales Chile, donde pudimos ver las presentaciones de Frank Bretschneider, músico electrónico y artista visual alemán que trabaja con sine waves (ondas sinusoidales), que son curvas matemáticas que se dan como suaves y repetitivas oscilaciones.
Parte del Line up de Sónar Sound Santiago tendrá a The Chemical Brothers, Hot Chip, Brodinski, entre otros.
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