Con este proyecto, la familia Borromeo renueva su apoyo histórico para las artes, haciéndolo esta vez a través de una nueva ubicación. El Ala Scaligera (‘Alas de Scala’) dentro del Rocca di Angera (‘Fortaleza Angera’) será un espacio dedicado exclusivamente al arte contemporáneo y la creatividad, un lugar de exposición evocadora que albergará una serie de eventos formulados especialmente. Sus salones, visibles para primera vez después de la restauración, han sido renovados de acuerdo con los cánones más modernos para la exhibición de arte contemporáneo, manteniendo al mismo tiempo las huellas históricas que aún se encuentran dentro de ellos.

El título, Continuum, intenta subrayar el cómo durante varios siglos la familia Borromeo ha mantenido la pasión por la belleza y la innovación cultural: una pasión que nos ha otorgado hoy lugares como el Isola Bella y la Isola Madre, en el Lago Maggiore.

La nueva estructura hará posible funcionar de manera efectiva en la arena contemporánea, colocándola lado a lado con la conservación del antiguo patrimonio. La inauguración de Ala Scaligera representa un momento de gran importancia, en parte porque es clave en un entorno que en términos de paisaje tiene pocos similares en el mundo, y porque atrae a miles de visitantes cada año: una nueva audiencia de fanáticos del arte contemporáneo que puede adquirir el hábito de frecuentar estos lugares, al igual que los visitantes que aman los paisajes o el arte de siglos anteriores que pueden entrar en contacto (en algunos casos por primera vez) con la investigación más avanzada de artistas contemporáneos, creando un solo centro de investigación que reúne el paisaje, la arquitectura y el arte.

Pero Continuum también se refiere a este grupo inicial de artistas seleccionados. Giovanni Anselmo, Vanessa Beecroft, Daniel Buren, Sheila Hicks, Anish Kapoor, Giulio Paolini, Ettore Spalletti: todos grandes maestros de varias generaciones, que trabajan con diferentes idiomas, innovando en la forma en que miramos el arte y desafiamos el concepto mismo de lo que es el arte hoy.

Siempre he creído que para cada exposición se necesita tener un elemento desestabilizador, desde el más simple al más complejo: algo que no encaja fácilmente en la opinión dominante de un período determinado, algo que puede desencadenar y dar vida, incluso una exposición alojada dentro de una institución expositiva dirigida al público general (y no solo a aquellos que ya están acostumbrados al arte contemporáneo). Puede parecer extraño, pero en este caso es el mismo vínculo con una idea no temporal del arte que emerge como la característica más desestabilizadora. De hecho, en los últimos años, la idea de que el arte está estrechamente ligado a su propio contexto histórico y físico ha sido impresa sobre nosotros, y de que el concepto de universalidad y la capacidad de superar los límites materiales y temporales, es el legado de un pasado ahora distante, enraizado nada más que en fantasías románticas. Este cambio propuso liberar a la esfera del arte de conceptos como la ‘obra maestra’ o el maestro. Yo, por otro lado, afortunadamente o no, continuo creyendo románticamente no solo que existen las obras maestras, sino que el arte en sus formas más elevadas de expresión, a pesar de ser el resultado de un determinado contexto histórico y a veces geográfico, es capaz de evocar como si no hubiera nada más que la presencia de una idea universal, una capaz de superar nuestro tiempo y presentándose como una clara verdad a los ojos de quienes tienen la sensibilidad para captarlo y un alma lo suficientemente receptiva para resonar antes de eso.

Esta exposición podría ser un manifiesto de lo que acabo de describir. En una era en la cual la tendencia parece ser particularmente la de la presentación de lo más mundano, momentáneo, transitorio y algunas veces incluso aspectos deliberadamente «feos», si no incluso enfocado obsesivamente en los elementos más problemáticos – o dramáticos de nuestra existencia, una exhibición de este tipo se destaca como una anomalía, la interrupción de un flujo que de otra manera parece inmodificable.

Pocos artistas de nivel internacional han sido capaces de mantener fuerte el vínculo con la noción de «clásico» y la suspensión del tiempo. En todos ellos hay una superación del estricto contexto histórico que en ciertos casos es acompañado por una cita de y el diálogo con las formas antiguas del arte de antaño. E inevitablemente este diálogo no podría sino que relatar además cómo se configura la exposición. De hecho, desde el principio, Rocca y su territorio circundante dictaron la elección de artistas y trabajos. En particular, tres elementos de este lugar emergieron como factores decisivos en la construcción del proyecto Continuum.

 El primer elemento es el de la luz, peculiar como lo es en el Lago Maggiore, con sus infinitas alteraciones durante el día y el paso de las estaciones: a veces cristalina, otras veces borrosa por la niebla. El Ala Scaligera en sí mismo es un extraordinario mecanismo atmosférico gracias a sus propias características estructurales. En el primer y segundo piso, las salas de exhibición se caracterizan por la grandiosa orientación sur y norte de las ventanas. Por lo tanto, la luz cambia tangiblemente: contundente en ciertos momentos, más suave y más oscura en otros. Y el agua del lago amplifica y complica la presencia de la luz. Estoy seguro de que este aspecto siempre caracterizará fuertemente el espacio, siendo un factor que no se puede tener en cuenta, ya sea si es para ser apreciado como un elemento de visualización (como en el caso de esta exposición), o si necesita ser ignorado. Los trabajos por Anish Kapoor y Ettore Spalletti son realzados por su diálogo con este dimensión poética, con una atmósfera efímera e inestable, para uno de los elementos de los que cuales están hechos: la luz misma.

Frente a una ventana en la cara norte del edificio se encuentra una escultura en alabastro de Kapoor, compuesta por dos elementos casi en una especie de íntimo diálogo que, incluso en su pesadez y solidez material, es perforada por la luz, cambiando constantemente a medida que la observamos desde diferentes posiciones. Otros dos trabajos de él, formas reflectantes de platos, están colocadas en dos paredes, una frente a la otra, y así alteran nuestra percepción tanto del espacio que nos rodea como de nosotros mismos. La escultura de alabastro y las piezas de las paredes, en sus colores suspendidos entre magenta y rojo cereza, invocan una serie de decoraciones medievales que se encuentran en las paredes adyacentes.

En la habitación contigua, se presentan cuatro obras de Spalletti: una pieza a pared y una serie de esculturas en piedra. También en este caso el material utilizado es alabastro, cortado en formas geométricas al estilo clásico de la artista de Abruzzo, con algunas de las facetas cubiertas de pigmentos celeste en varios tonos, mientras que en el trabajo montado en la pared, el azul se ve reforzado por la presencia de finos bordes de oro. Estos son los colores de la luz del lago y el paisaje circundante, y parecen estar hechos de la misma materia que la niebla que a menudo lo rodea.

El excepcional trabajo en fibra óptica de Daniel Buren, dentro de la sala multimedia, está también hecho de luz (aunque eléctrica), junto con la famosa obra de Giovanni Anselmo en la que la palabra «PARTICOLARE» es proyectada por dos carruseles deslizantes, uno de los cuales apunta hacia una pared del espacio, mientras que la otra proyecta sobre los cuerpos que se encuentran moviéndose alrededor de la sala, interceptando y limitando el rayo de luz dirigido hacia el vacío y el infinito.

El segundo elemento guía en la exhibición es diametralmente opuesto al primero: la piedra. La conformación geológica del área es visiblemente perceptible a lo largo de los espacios del Ala Scaligera. Desde la ciudad, se pueden ver los grandes bloques de piedra de los que está hecha la Rocca. Uno está rodeado por ella en el patio de entrada, y se puede ver desde todas las habitaciones en el espacio de exposición. Son principalmente rocas de color gris claro, que tienden a veces al rosado y a la forma cuadrada, pero obviamente en una manera bastante tosca. A pocos pasos de la Rocca también podemos encontrar una cantera, cuyo material de piedra solía transportarse en bote desde el lago a Milán.

La instalación más grande, la de Anselmo, parece estar hecha de los mismos bloques que forman las paredes de la Rocca, como si hubieran llegado desde el espacio exterior, solo para permitirnos subir sobre ellos y acercarse un poco más a las estrellas, para hacernos conscientes de la solidez de la fuerza de la gravedad, y de cómo nos estamos aferrando a un planeta que se precipita a través del espacio, dinámicas que están dotadas de una verdad inmutable.

Y así como en los alabastros de Kapoor y Spalletti descritos anteriormente, el resplandor de estas piedras locales también emerge. La composición arquitectónica de piedra utilizada como un elemento de construcción, vuelve en las fotografías de una performance en Palermo de Vanessa Beecroft, puesta en escena en el 2008 dentro de la iglesia Chiesa dello Spasimo. Son fotos habitadas por cuerpos de mujeres, mezclados con elementos artificiales que recuerdan a los clásicos estatuarios, como las tres cabezas de cerámica en las que el rostro femenino desaparece hasta convertirse en un volumen informal que no conserva más que una vaga semejanza con las características de una cabeza.

El tercer y último elemento es el del tiempo (del que surge el título), que mencioné al principio con respecto a la dimensión no temporal que se mueve a través de las obras. Esto está probablemente mejor resumido en las obras de Giulio Paolini, que abren la muestra en la primera sala, como el capítulo introductorio ideal. Estas son obras que ejemplifican perfectamente el modus operandi del artista, a menudo capaz de comentar sobre el estatuto del arte en su acepción más metafísica y enrarecida, una que luego será encontrada en el resto de la exposición. El primer trabajo que encontramos es “Circo Massimo”, un homenaje al galerista Massimo Minini en colaboración con quien esta exhibición fue organizada; vemos una figura, simplemente delineada en la pared (podría ser un maestro de ceremonias o un prestidigitador) sosteniendo una imagen de la cual parecen salir fotos de las obras de los artistas que han escrito la historia de la galería, algunos de los cuales, como Daniel Buren, también se presentan en esta exhibición.

El último tramo de la escalera que une los tres niveles, y que se convierte en una de las características de los nuevos espacios del Ala Scaligera, y que sirve como una conexión física y mental con el resto del Rocca-está dominado por la instalación principal de Sheila Hicks, rediseñada especialmente por la artista para Angera. Viene desde el techo solo para descansar en el espacio de la parte superior de los escalones. Podemos ver toda su longitud a medida que se suben las escaleras. Y ya desde antes, podemos sentir su calidad material, la peculiar artesanía de la lana y la escultórico técnica que el artista logra ejercer de manera muy simple en un material poco convencional. Cuando nos alejamos para visitar los otros salones, se nota cómo su cercanía a la ventana exalta la atención que Sheila Hicks le asigna a la elección de colores en sus esculturas, que le permiten operar también en un nivel pictórico, aunque uno tridimensional.

Así, la exposición fue creada en estrecha colaboración con la Galleria Massimo Minini de Brescia. Y esta elección fue cualquier cosa menos una al azar Tiene sus raíces en la idea de que la familia Borromeo colabore con esos elementos que en las últimas décadas han surgido como los puntos de excelencia del territorio. El espacio de exhibición del Ala Scaligera de hecho tiene la intención de actuar dentro de un tejido compuesto por espacios privados e institucionales que a lo largo de Lombardía han estado operando a nivel internacional nivel por años, y del que pretende formar parte como un sistema extensión natural extra-urbana. También por esta razón se decidió inaugurar durante el período de la Miart Fair, con el fin de subrayar el deseo y la necesidad de que el territorio piense desde adentro un sistema cada vez más fuerte y articulado. El espacio en el que será ubicado la exposición de Angera es muy animado y diverso, compuesto por lugares de diversa naturaleza y configuración, pero en gran medida concentrado en el área urbana de Milán. La ubicación del Ala Scaligera permite además fortalecer vínculos entre Milán y la cercana Suiza: uno de los países que mejor ha logrado crear una escena artística próspera en los últimos años. Me gusta recordar que al final del lago Maggiore están los lugares donde una gran figura como la de Harald Szeemann vivió y trabajó (por ejemplo con los proyectos en Monte Verità). Pero, en general, el lago Maggiore y los territorios cercanos a la familia Borromeo pueden reclamar una historia llena de lazos con la cultura, sobre todo para todos los escritores que durante siglos han cruzado estos territorios, que se han quedado aquí, y que se han escrito de ellos, e incluso se ha inspirado en ellos. Creo que todos estos elementos pueden constituir material fértil sobre el cual trabajar en los próximos años, y que el Ala Scaligera demostrará ser un factor clave en este proceso.